<핸드 투 핸드> (2021)

정지윤 작가의 관심사는 보다 전통적인 범주의 회화를 향한다. 작가는 웹에서 찾은 파운드 이미지(Found Image)를 차용하여 그림으로 옮긴다. 여기서 주목할 점은 사진이 지시하는 내용보다 그것의 조형성을 중시한다는 것이다. ‘사진으로 기록하고 싶은 순간’은 어떤 이유에서든 그 순간을 붙잡고 싶은 마음에서 비롯되지만, 정지윤은 사진이 담고 있는 감정, 서사, 기억 등의 요소에는 관심이 없다. 그저 사진을 구성하는 대상의 포즈, 표정, 상태만이 관심사일 뿐이다. 그렇기에 직접 찍은 사진이 아닌 익명의 이미지를 재료로 삼는 것은 당연한 선택이다.

작가는 이를 극대화하기 위한 방법론으로 모노톤을 사용한다. 원본의 색을 지우고 단색으로 화면을 재구성하는 과정은, 원본이 왜곡되어 해석될 수 있는 ‘가능성의 상황’으로 화면을 밀어내는 역할을 한다. 이는 화면이 함의하는 서사가 작가에게 중요치 않으며, 하나의 그림을 보고도 다양한 해석이 가능함을 긍정하는 태도와 맞닿아 있다. 이번 전시에서 선보이는 연작 또한 이러한 맥락에서 살펴볼 수 있다. 오른쪽 그림을 본 관객은 이것이 호수임을 쉽게 알 수 있지만, 왼쪽 그림만 따로 본다면 이는 보는 이에 따라 물인 동시에 추상적인 붓질, 혹은 하늘의 풍경이 될 수도 있기 때문이다.

한편, 정지윤의 작업은 물감을 흩뿌리는 드리핑(Dripping) 기법으로 마무리된다. 이 마지막 제스처를 통해 가미된 추상성은 작품이 ‘이미지의 재현’이 아닌, 붓질이자 회화 그 자체임을 상기시킨다. 이처럼 정지윤의 작업은 회화 고유의 특징을 유지하면서도 관습적 해석으로부터 벗어나 새로운 읽기의 가능성을 모색한다.

글 | 신지현:전시 기획자. 현재 하이트컬렉션에서 근무하며 WESS 공동운영자로도 활동하고 있다.

Hand to Hand (2021)
Text by Jihyun Shin (Curator, WESS Co-director)

Jiyun Jeong’s artistic interests lean toward painting in its more traditional sense. She appropriates "found images" from the web and translates them onto the canvas. What is important to note is that she prioritizes the formal composition of the image over its literal content. While a "moment recorded in a photograph" often stems from a desire to hold onto a specific memory or narrative, Jeong is indifferent to such elements. Her focus lies solely on the poses, expressions, and states of the subjects that constitute the photograph. Therefore, choosing anonymous images as her raw material—rather than photographs she has taken herself—is a natural decision.

The artist uses a monochromatic palette as a methodology to maximize this formal focus. By stripping away the original colors and reconstructing the canvas in a single tone, she pushes the image into a "state of possibility" where the original can be distorted and reinterpreted. This reflects her stance that the implied narrative is secondary, affirming that a single painting can evoke a multitude of interpretations. Her series presented in this exhibition exemplifies this: while the right side is easily recognizable as a lake, the left side—viewed independently—could be seen as water, abstract brushwork, or a landscape of the sky, depending on the viewer.

Finally, Jiyun Jeong’s work is completed through a "dripping" technique. This final gesture adds a layer of abstraction that serves to remind us that her work is not a reproduction of an image, but the act of painting itself. Her practice preserves the unique specificity of painting while exploring the possibilities of reading beyond conventional interpretations.